Cheng Zhang | 张程

最近报了蒙特利尔本地一个挺有名的两年制平面设计课程，作为我探索人生与提升自我的一部分。我的初衷很明确：提升自己的 APP 视觉设计能力，培养设计师的底层思维与简化问题的能力。

这门课程是正规的政府项目，看得出来老师们都有丰富的行业经验，也在尽力向就业靠拢。然而仅上了一周多，我就感受到了极大的不适应。

我开始思考，为什么我会这么快否定这门课？我想，是那种固化的传统课程体系，与如今 AI 及新工具爆炸式发展之间的巨大割裂感。这种割裂感仿佛把我拉回了青少年时期——毫无章法的节奏，只能靠偷偷画画来排解时间的消极感。

作为一个以成年人职业转化为目标的课堂，它为什么会给人这种感觉？

1. 僵化的预备课机制

在当前的课程设计中，很多基础课被设成了绝对的前置门槛。例如第一学期如果不修矢量绘图（Vector Image），就无法选修其他任何课程。然而在第二节矢量课上，那些丑陋、缺乏美感与设计感的机械练习就让我感到无比沉闷。更不合理的是，即使是周二的传统绘画课——明明与矢量软件无关——也会因为没有修矢量课而被一票否决。

2. 工具教学与现代生产力的脱节

矢量工具（如 Illustrator）的核心逻辑固然重要，但课堂却花了大量时间在繁琐、机械的 UI 操作上。在现代工作流中，这类高度重复的操作本可以被快速自动化或 AI 化。如果我们把大量精力消耗在“每周学习一点点软件按钮”上，反而忽视了设计最核心的视觉表达。

3. 抵制 AI 的课堂氛围

绝大多数老师对 AI 的态度浅尝辄止，甚至有老师坚信“AI 对平面设计没有冲击”。在绘画课上，老师让大家对 AI 的态度举手表态，当几乎全班都举手反对时，支持的只有我和另一位同学。

当教学完全把 AI 这种最先进的生产力拒之门外，甚至禁止学生尝试用 AI 辅助设计时，学习内容便不可避免地与真实工业界产生了断层。

4. “一人堂”与形式主义的限制

在字体设计作业中，老师要求大家必须手绘，理由是“软件换画笔麻烦、效率低且没创意”。当我提出自己日常习惯用 Procreate 绘制电子稿时，得到的答复却是：“系里规定第一年禁止使用电子绘画，第三个学期才可以。”

平面设计的最终产物本质上就是数字化的，在强调矢量绘图的同时却全盘否定电子绘画，这种逻辑令人费解。或许限制工具的初衷是让初学者回归基本的线条与结构感知，但简单粗暴的“一刀切”禁令，只让人感到思维的闭塞。

5. 缺乏真实商业情境与个体差异

课程的练习设计抽象且枯燥，缺少真实项目的驱动力。同时，为了照顾所有人的进度，整体节奏被拉得极慢。教育确实需要兼顾大众，但对于具备自学能力、希望能快速通过项目反馈提升的学生来说，这种匀速推进效率极低。

如果让我重新设计这门课程：

• 审美与感知先行：设计不应从干瘪的软件按钮开始。潮流趋势、视觉历史与审美感知的建立，应当从第一天起就融入学习。
• 问题驱动与自主调研：设计是动态演进的。比如“新版 iOS 对图标做了哪些微调？为什么这样改？”老师应当抛出真实的商业与设计问题，引导学生主动思考，而不是单向灌输。
• 基于短周期实战项目（Project-based Learning）：打破漫长的十多周单项课，用高频、真实的项目串联知识点。比如：设计一张特定主题的海报、画一本 Zine、制作一个 App 界面或出行写生理解透视。让每次练习都能产出一件完整作品。
• 引入 Vibe Coding 与 AI 协作：代码不再只是程序员的专利，用简单的代码呈现炫酷的交互视觉，能给设计带来更大的表现空间。同时，不应把 AI 当作洪水猛兽，而应教授如何用 AI 生成内容、甚至让学生与 AI 竞赛，在真实协作中理解人类创意的独特性。
• 理解市场与营销（Marketing First）：不懂营销的设计很难实现商业价值。课程应直接分析当下最热门的视觉案例、品牌案例，让设计回归市场语境。

结语

传统学校教育就像工业时代的产物，虽然表面在不断更新，但底层架构依然沿用着批量化、标准化流水线的逻辑。对于习惯了自主学习、追求高效与工具创新的人来说，这种旧框架显得格外笨重。

或许我们需要重新审视学习的意义：真正的成长，绝不是在被动的流水线上等待被灌输，而是在真实项目的碰撞与最先进工具的辅助下，完成自我迭代。

我想未来的学习，应该更多的是以解决实际问题而进行的“微学习”，里面有更多的跨学科，跨专业，也有更多的心血来潮，比如：

什么是设计师思维？
AI编程好学吗？怎么开始？
如何提升我的人际交往能力？
我想要自我提升，但是不知道到底需要提升什么
如何更好的了解自己？
如何把我的个人网站做的更漂亮？

我也希望作为一名独立创业者，我可以在不远的将来，借助AI的力量，提供一个可以在任何地方，任何时间学习任何内容的软件。